Peeping Tom

"TINKER, TAILOR, SOLDIER SPY" Tomas Alfredson (2011)

2012-02-06T16:25:00.002+01:00

Confieso, que, cuando terminó la película, se me quedó cara de “Ostia, no sé si he acabado de entender algo”. Luego, poniendo los hechos sobre la mesa, ves que sí, que algo has pillado, pero tampoco tanto. Tienen que pasar unas horas, una semi-extensa reflexión y algo de Wikipedia para no sentirte una completa retrasada. “Tinker, Tailor, Soldier, Spy" (me niego a llamarla “El Topo”) , basada en el best-seller de John Le Carré, es ciertamente, una película de difícil comprensión, pero no por ello críptica o elevada, aunque sí necesita un alto grado de atención por parte del espectador. Paradójicamente su trama es bien simple: hay un topo soviético en lo más alto de los Servicios de Inteligencia británicos, que ellos llaman Circus (por su proximidad a Cambridge Circus). George Smiley (Gary Oldman), agente veterano retirado a la fuerza después de la destitución del alto mando, será el encargado de descubrir quién de los cinco hombres de la cúpula es el traidor. Punto pelota.

Claro que Tomas Alfredson, director también de la acertadísima historia de vampiros pre-pubers “Déjame Entrar”, no nos lo pone tan fácil. Empieza entrando de lleno en el meollo, con un espía británico tiroteado, enviado por Control (mítico John Hurt), el jefazo de los espías británicos, para conseguir el nombre en clave del topo. A partir de ahí, y una vez desplazado Control de la cúpula debido a este grueso error y posterior muerte natural, el rumor del topo llega a Lacon (jefe del llamado Servicio Civil, mano derecha del Primer Ministro) que asigna al melancólico y paternal agente Smiley la misión de descubrir y cazar al topo que está poniendo en jaque la seguridad de occidente. Será el “desertor” Ricky Tarr (Tom Hardy), gracias a un affaire con la mujer de un agente ruso, quien dé una de las principales claves para, tirando del hilo y de una forma brillantemente analógica, descubrir quién es el traidor. Porque de lo que nos habla Alfredson es de eso: del compromiso y de aquellos que “por motivos estéticos o morales” (como dice el topo una vez cazado) lo transgreden e inevitablemente, lo traicionan. En una época donde los escándalos financieros, los empresarios corruptos y los políticos sin escrúpulos están a la orden del día “Tinker, Tailor, Soldier, Spy” es más contemporánea de lo que aparentemente parece.

Olvidémonos del imaginario clásico: aquí no hay ni chicas Bond, ni piruetas en Aston Martins, ni agentes sexies con mil gadgets hi-tech. Alfredson retrata la vida del espía como la de un funcionario, gris, un poco freaky, tirando a casposete y solitario. Mucha pana, mucha felpa y mucho tweed. Domina una estética sobria, apagada, rozando la serie B en la que destacaría esa sala insonorizada en la que la cúpula se reúne (un pequeño bunker-ataúd retro), unos secundarios de auténtico lujo (Colin Firth, Toby Jones, Ciarán Hinds o David Dencik) y una serie de metáforas visuales en ocasiones obvias pero muy personales. Y no sólo eso: destacar el fantástico, sobrio pero efectivo montaje a base de flashbacks y sobre todo a “cara de vieja” Oldman, ese maravilloso actor semi-olvidado por muchos y del que celebro su rescate para la gran pantalla, no sólo en papeles secundarios como el Comisario jefe de Gotham, si no para papelazos, que es para lo que realmente vale. Oldman es pura contención, puro arte interpretativo. Su economía gestual, sus miradas, sus silencios son precisos y acertados, reinventando así el personaje al que Alec Guinness ya dio vida en la serie que la BBC hizo de la novela de Le Carré. Smiley se nos muestra riguroso y justo, con aspecto de profesor de literatura y un punto romántico (podemos oír el crujido de su corazón roto en pedazos tras el fatal descubrimiento de la infidelidad de su mujer) y que mantiene un curioso pulso mental con su homólogo soviético, Karla, un ente para el espectador (ya que nunca lo vemos en pantalla) que parece poseer parte del alma de Smiley con ese mechero simbólico que tanto le pesa.

Después de ver la maravilla pre-digital que ha compuesto Tomas Alfredson, miro con otros ojos a John Le Carré, ex –agente del MI6 por cierto, que para mí era más bien una lectura de madres, y me pregunto si es verdad que revolucionó con su “Karla Trilogy” la novela de espías. Desafortunadamente no he leído la novela así que no puedo decir eso de: el libro es mejor. Pero desde luego la película sí es mejor. Es mejor, más profunda y sutil de lo que uno puede esperar de una simple película de espías.

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"MERCADO DE FUTUROS" Mercedes Álvarez

2011-12-23T10:26:00.004+01:00

Una de las películas más esperadas de L’Alternativa, uno de los festivales más longevos de la ciudad de Barcelona, pese a carecer de una hoja de ruta clara (nunca he sabido muy bien qué tipo de cine engloba la etiqueta “independiente” (¿independiente de qué?), fue la nueva pieza documental de Mercedes Álvarez Mercado de Futuros, que ya pudo verse en la pasada edición del casi difunto (¡pero no, afortunadamente!) Festival Punto de Vista en Noviembre.
Mercedes Álvarez ha elaborado esta pieza de forma totalmente artesanal, meticulosamente rodada durante casi 3 años, ya que empezó a gestarse al poco de estallar la madre de todas las crisis. Con planos precisos como un reloj suizo nos muestra una perspectiva aérea de la mecánica del capitalismo, mediante piezas, que, como los pedazos de un patchwork, nos dan una visión global pero fragmentada. Como estas mantas de dudoso gusto, o como si de un jarrón roto y vuelto a pegar se tratara, el conjunto en sí resulta algo defectuoso, pero no por ello desaconsejable. Al contrario, y más viendo dónde nos encontramos ahora mismo.

El desmantelamiento de una casa del Eixample y su posterior venta de enseres en el mercado de los Encants de Barcelona, los brokers castizos vendiendo activos con futuro, los casposos comerciales de una macro feria inmobiliaria donde todo, incluso las casas, son de cartón piedra, el viejo y su parcela de árboles frutales acorralada por la modernidad son varios de estos fragmentos de una sociedad con tendencia a la acumulación. Acumulación sin sentido que nos ha llevado a la bancarrota.

Acumulación de objetos como la que posee uno de los protagonistas del film, Jesús, un viejo sin ley ni orden, rey de su cochambroso puesto en los Encantes que resume su filosofía con la frase “si lo vendes no lo tienes” mientras ostenta a sus espaldas un imperio de objetos polvorientos y nos “consuela” con una serie de píldoras de vida mientras vive sus lunes al sol. Aunque realmente, dentro de su filosofía anarquista y buen rollera encierra el mismo síndrome mortal que aqueja a este nuestro sistema y que probablemente,, después del final de sus días, su parcela, su casa y todos los cachivaches amontonados, que no vendió por no perder , serán desmantelados y desperdigados, y vendidos por los mercados.
El cartón piedra, el simulacro, la compra y venta de humo, de casas no construidas, la especulación financiera objetos que se cubrirán de polvo y desaparecerán como desaparecen nuestro futuros. Un documental que en su claridad excesiva peca en ocasiones de tener un discurso simple y poco elaborado, más que poco elaborado podríamos decir de tendencias maniqueístas. Me horrorizó, además, el uso de la voz en over, extremadamente didascálica y pedante, que por suerte, no acompaña todo el documental.

Un documental que hubiera funcionado mejor sin un final tan marcado por la figura de Jesús, el vendedor ácrata, que parece dejarnos un falso buen sabor de boca. Se comentó que Mercedes Álvarez quiso dejar el final abierto, un SIN FIN, como en las películas de Val del Omar en lugar de FIN, cosa que, si la industria lo hubiese permitido, le hubiera ido como anillo al dedo, porque desde luego, esta crisis, y más que de la económica hablo de la humana, no tiene fin.

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"MELANCHOLIA" Lars Von Trier

2011-12-22T16:34:00.000+01:00

Los antiguos griegos creían que cuatro líquidos corporales, llamados “humores” no sólo explicaban todas las enfermedades sino los diferentes temperamentos y sus cambios: estaban los sanguíneos, los flemáticos, los coléricos y los melancólicos, estos últimos acusados de un exceso de bilis negra que les producía una enorme tristeza y desazón. Una de las representaciones artísticas más conocidas de la melancolía es el grabado que Durero hizo en 1514, donde aparece un ángel/mujer de aspecto desaliñado, rodeada de diferentes objetos desordenados, muchos de ellos relacionados con la geometría y la matemática, cargados de simbología. Al fondo, sobre el horizonte , vemos el brillo de la luna y de un extraño cometa afincado en el arcoíris nocturno que cruza el cielo.

Propiamente cual grabados u estampas Melancholia arranca con una serie de hipnóticas imágenes premonitorias que resumen la narración de la película. Una novia que avanza penosamente arrastrando unos lastres de lana gris, la madre sosteniendo a su hijo caminando por una tierra que se hunde a cada paso, nuevamente la novia, cual Ofelia, rodeada de plantas (se dice que uno de los remedios contra la melancolía eran las plantas acuíferas) arrastrada por un río, una caballo desfalleciendo, un enorme planeta colisionando contra la tierra…Imágenes pulidas y limpias, tableau vivants a cámara lenta que combina, durante todo el metraje, con fragmentos de Tristán e Isolda de Wagner, dotándolas de una fuerte carga poética.

Melancholia es una historia apocalíptica sobre la destrucción de la tierra, pero también un drama íntimo, la historia de dos hermanas de carácter (humores?) muy diferentes. Una, Justine (Kristen Dunst), claramente melancólica, taciturna, inestable, la otra, Claire (Charlotte Gainsbourg), flemática, equilibrada y muy organizada. Confluyen dos dramas, como los dos planetas, como las dos hermanas. Por un lado el drama familiar que Lars Von Trier filma de manera muy íntima en espacios generalmente cerrados, las relaciones familiares deterioradas, las apariencias finalmente dinamitadas entre el jefe y la empleada, la soledad y el miedo no sólo ante un futuro en pareja sino ante un futuro del todo catastrófico, que de alguna manera Justine intuye. Y por otro lado, el drama apocalíptico de enfrentarse al fin del mundo, al fin de la existencia humana con la máxima dignidad posible, aunque hasta el último momento la fe en la ciencia lleve a pensar que ese final inexorable puede ser esquivado. Von Trier disecciona con absoluta desesperanza y derrotismo el espíritu humano a través de las hermanas protagonistas, en cierto modo recordando a esos burgueses atrapados en El ángel Exterminador, enjaulados en su fastuosa residencia, con el cupo material más que cubierto, pero fuertemente desequilibrados emocionalmente.

Justine sabe, Justine intuye que “el mundo está lleno de maldad” y que por ende su desaparición no resultará una gran pérdida. Justine, como ese ángel de Durero, que vaga entre el abatimiento y la desidia, se ve reflejada y en cierto modo reconfortada por Melancholia el planeta que orbita peligrosamente cercano a la tierra y que acabará por arrasarlo (incluso tienen un momento de comunión en una preciosa escena en la que ella se baña desnuda con su plúmbea luz).
Nadie mejor que Lars Von Trier, cineasta melancólico por excelencia, malhumorado, sombrío y provocador, para hacernos reflexionar sobre el lado más oscuro de la existencia abocada a la soledad y la destrucción durante dos horas y pico, de manera hipnótica e implacable.

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"EL ÁRBOL DE LA VIDA" Terrence Malick (2011)

2011-09-27T15:43:00.001+02:00

En primer lugar aclararé que no soy una devota de Terence Malick,con ello quiero decir que respeto su obra pero no me declaro fan. Digo estoporque muchas veces nos pueden los amores incondicionales y nos impiden ver conclaridad: uno debe matar a sus ídolos. Eneste caso yo ya fui llorada y realicé mipropio “cinecidio” en casa. Bien es cierto que conociendo el corpus poético deMalick sabía por donde irían los tiros ytenía cierto temor de ver dos horas de paja mental con muchas cortinas acontraluz y primerísimos planos de pajarillos moribundos. Quizás por estostemores, me gustó más de lo que en un principio creí que me gustaría.

No nos engañemos, no es una película difícilde ver, pero sí es una película difícil de digerir, más que por su complejidadnarrativa, por su exceso de contenidos. El árbol de la vida es una películainabarcable, extremadamente poética, excesiva en todos los sentidos. Querercontar el origen del universo, darnos una lección pseudo filosófica sobre laconceptos estéticos como la Gracia, la Bondad, la Belleza y susinterrelaciones, coquetear con la eterna búsqueda del sentido de la vida yentender el binomio vida/muerte a través de la historia de una familia en losaños cincuenta (contando además con la presencia mainstream de Brad Pitt y SeanPean) quizás sean demasiadas cosas para contar en una sola película.

Los mecanismos eimágenes que empleó en sus últimas películas como La delgada línea roja o Elnuevo mundo se vuelven a repetir aquí hasta la saciedad, pero Terencese arremanga y da lo mejor de sí mismo (y de su operador Lubezki, auténticomaestro de la luz) depurando aquello que ya vimos en sus dos anteriorespelículas: imágenes preciosistas, muchas fruto de horas y horas de rodaje y enocasiones del puro azar, voz en over, atípica continuidad narrativa, donde unplano no tiene porqué corresponderse con el plano siguiente y una selección depiezas clásicas inmejorables.

El árbol de lavida recuerda en ocasiones a Zerkalode Tarkovski, una narración personal y nostálgica que reflexiona sobrela infancia y los recuerdos centrándose en la presencia de la madre como símbolo,(en el caso de Tarkovski estaba más relacionado con el concepto Historia) queen Malick se traduce como una presencia más cercana a la verdadera naturalezade lo divino, representación de la Gracia y la Bondad (en mayúsculas) y daimon benefactor creadora de vida. Así comoTarkovski hace su propio Amarcord, Malick parece citar encambio a Otto e mezzo con ese final de redención en la playa del reencuentro,creando un limbo espiritual de perdón y purificación.

Personalmentecreo que la clave del cine de Malick reside en que éste va más allá del merodispositivo cinematográfico, es decir, exige una mirada y un acercamiento queestaría más relacionado con la contemplación del objeto artístico, y enconsecuencia de un juicio más cercano a la reflexión estética, que al análisis puramentecinematográfico. No podemos enfrentarnos a una película de Malick con lasmismas herramientas que nos enfrentamos a una película de Sodeberg (sindesmerecer). No son la misma liga, es más, no son ni siquiera el mismo deporte.Tal empacho de belleza solo se puede disfrutar si uno se deja llevar y suspendeel interés en pro de forjarse un juicio estético, es decir, al más puro estiloKantiano, dejarnos llevar por las imágenes sin esperar una satisfacción ni unafinalidad. No se hasta que punto las recurrentes imágenes de naturaleza (lostrigales, el mar, el pájaro que cruza el cielo) son realmente un rebus que creancontenido y sentido narrativo mediante alusiones, o meramente iconos de puracontemplación, de puro goce estético.

Aún así Malick mea fuera de tiesto en muchas ocasiones. Es el excesolo que acaba pasando factura a la película, como en ese momento JurassicPark donde uno piensa; “Terence, no hacía falta.”. En su deriva Éraseuna vez… la vida Malick se pierde para volver a encontrarse en casa delos O’Brian, sus conflictos matrimoniales, su relación con los hijos y sobretodo el paso de la infancia a la madurez del joven Jack , sin duda la parte másinteresante del film. Por otro lado y personalmente Brad Pitt no me entusiasmay me recuerda demasiadas veces al personaje de Inglorious Basterds y sumentón salido (cosa que se empeñó en hacer, como si de un Marlon Brando y susbastoncillos de algodón se tratase, por más que Tarantino intentarádisuadirle). Aquí parece que Malick no logró hacerle entender que no eranecesario forzar el mentón para parecer un padre severo. Como última meadadecir que su particular visión cristiano/mística acaba transformándose en unasuerte de falso trascendentalismo que se convierte en ocasiones en un burdolibro de autoayuda rozando el Coehlismo.

Ahora bien, apesar de sus pretensiones de proporciones cósmicas el film nos ofrece píldorasde gran intensidad y belleza, que hay que tomarlas así, como puracontemplación, sin tragarnos todo el cuento místico. No obstante y a pesar dela pretenciosidad de la obra, aprovechopara denunciar algunas salas de cine que, no contentos con repartir flyers en la cola de taquillas avisando de ladureza conceptual de la película y recomendando su salida inmediata de la salaen caso de aburrimiento extremo, también devolvían el dinero de la entrada paraevitar la pataleta. Esto me parece, no solo tratar al espectador como un niñode tres años y presuponer su ignorancia y su incapacidad para gozar de unanarración heterodoxa, si no fomentar la mediocridad y la falta de espíritu crítico.

"BRIDESMAIDS" Paul Feig (2011)

2011-09-11T20:58:00.000+02:00

No sé cómo he podido tardar tanto en ver La Boda de mi mejor amiga (Bridesmaids) con las ganas que tenía desde que supe de su existencia hace unos meses. Quizá porque esperaba un acontecimiento grupal y femenino, de esos que se dan rara vez ya, que nos reuniera en una sala de cine, con palomitas, chuches y toda la pesca, dispuestas a identificarnos con las protagonistas y reírnos de nosotras mismas. Pero quizás porque la he visto más sola que la una, la comedia desternillante se convirtió al final en alguna cosa más emotiva. Imposible suspender la drama-queen que hay en mí.

Paul Feig también director de la serie cómica Freaks and Geeks que descubrió a James Franco y Seth Rogen, ya me hizo reír a mandíbula batiente con Lío Embarazoso (Knocked up), a pesar de la porquería de título en español. Una película descarada, super fresca con un humor freak y del cual me he apropiado para uso personal alguna coletilla, como “las mejores cosas siempre vienen de dos en dos: Fíjate en Volcano y Dante’s Peak o Deep Impact y Armagedon”. Junto con Judd Apatow y su inconfundible sello como productor, Kristen Wiig, una de las mejores comediantes actuales perteneciente a la corte irreverente del SNL que protagoniza el film y firma el guión junto con su compañera de troupe cómica en The Groundlings Annie Mumolo, Bridesmaids abre todo un mundo de posibilidades en la comedia actual americana (y la cada vez mayor aportación de cómicas como Tina Fey o Sarah Silverman) y se revela como la comedia del año, al nivel de The Hangover 2 de la que me declaro fan absoluta después de hacerme pasar los mejores momentos en una sala de cine.

Annie (Wiig), cuya vida dio un vuelco cuando quebró su pequeño negocio de pastelería junto con su relación amorosa, comparte frustraciones y alegrías con su amiga de la infancia Lillian (Maya Rudolph), que, tras comprometerse con su novio, nombrará a Annie madrina de honor y la responsable de organizar todo el cotarro bodil. El problema viene cuando la nueva amiga de Lillian, la perfectísima Hellen (Rose Byrne), empieza a cobrar protagonismo y crea cierta distancia entre las amigas provocando los arrebatos más esperpénticos de una cada vez más histriónica Annie, una completa loser de desastrosa vida amorosa y capacidad infinita para liarla parda.

Olvídate de una película de chicas al uso. La boda de mi mejor amiga empieza ya fuerte con un polvo de risa con Ted (John Hamm, mucho menos apetecible que en Mad Men) el follamigo de Annie. Al minuto 5, cuando ella se levanta con sigilo para arreglarse, volver a la cama y fingir que se despierta perfecta ya me había enamorado completamente del personaje y sabía que cualquier cosa que hiciera me iba a producir una infinita simpatía. Y es que todo está dotado de una profunda sensibilidad, de una sincera autoparodia, de un guión y una puesta en escena que da barra libre de improvisación a los actores, que forjan sus personajes con fuerte gestualidad, de tal manera que ciertas situaciones nos parecen haberlas vivido en primera persona una noche de borrachera, donde el tiempo se dilata y uno no se cansa de hacer el capullo.

Y es que se trata de eso, de hacer el capullo, de que las chicas, la pelis de chicas también pueden ser gamberras, también pueden tener ataques de diarrea y cagarse encima (uno de los mejores gags de la película), tener ataques de ira y de celos en pro de la exclusividad amiguíl sin que eso suene a rollo-bollo, hacer el ridículo hasta límites insospechados, imitar a una polla con huevos incluidos ("los codos no me permiten hacerlos redondos") y reírse de una misma, de la feminidad y todas sus teorías sin ambages. Pero además, La Boda de mi mejor amiga, suelda todo esta metralleta de vandalismo cómico con una sensibilidad y una gracia exquisita. Y lloré. Lloré en la comedia más macarra porque obviamente también hablaba de mí, de la soledad que comporta ciertas decisiones, del miedo a la perdida de aquello amado y cercano, miedo de los cambios, del abismo de la madurez y la edad adulta unido al complejo de loser-peterpanesco que acompaña a mi generación y a la de mis compinches.

Me declaro absolutamente enamorada de este film. Porque soy chica, pensaréis: pues igual sí, obvio, ¿para qué negarlo?, es un tipo de humor con una sensibilidad muy cercana y una patanería femenina que sorprende cuando la ves reflejada en pantalla (porque son cosas que nos pasan a la mayoría, pero que pocas veces se desvelan) pero también porque amo el cine sincero, sencillo en su finalidad pero rico en texturas, capaz de arrancarme una carcajada desde las entrañas. Y éste lo es.

"SUPER 8" J.J Abrams (2011)

2011-08-21T14:05:00.013+02:00

Si bien la generación de los nacidos en los 80 ostenta con orgullo el estandarte de “generación nostálgica” seguramente será por aquella sensación de optimismo que caracterizó una época, tanto de bonanza económica en numerosos países occidentales, como, ya dentro de nuestro país, cierta ruptura con el pasado y aires de libertad tras cuarenta años de régimen franquista. Era un momento en el que todo era posible, en la que la actual crisis económica era impensable y nadie había oído hablar del cambio climático ni del terrorismo islámico, donde el neoliberalismo daba sus primeros pasos, los rusos seguían siendo los malos y se auguraba un brillante futuro para las nuevas generaciones. Todo ello sumado al crecimiento y desarrollo de las nuevas tecnologías y de los medios de comunicación de masas que se encargaron de hacer llegar la cultura popular mediante series, películas, videojuegos, etc.

Por aquel entonces, Spielberg había creado un nuevo imaginario colectivo lleno de extraterrestres buenos que querían volver a su casa, extraterrestres buenos que querían que tú fueses a la suya, tiburones hambrientos y arqueólogos intrépidos, pero también, con la creación de Amblin Entertaintment, fomentó la aparición del cine que nutrió a toda una generación y que en cierta medida los (nos) formó: Los Goonies (R.Donner, 1985), Gremlins (J.Dante, 1984), Regreso al Futuro (R.Zemeckis, 1985), El secreto de la Pirámide (B.Lewinson, 1985) y series de TV como Cuentos Asombrosos. En línea con ese tipo de películas de los 80, Amblin, Spielberg y J.J Abrams (guionista y director de la archiconocida y adictiva Lost) crearon Super 8, una maravilla anacrónica, cargada de nostalgia pero también arquetípica y universal, por lo tanto, clásico instantáneo. Anacrónica, porque, a pesar de estar ambientada a finales de los 70 principios de los 80, el lenguaje, el ritmo y la técnica son completamente actuales, claramente influenciados por la TV. No obstante, Super 8 no podría estar ambientada hoy en día, porque, lo que hace especial esta historia es la inocencia que desprende, su optimismo y esperanza en las nuevas generaciones, algo de lo que carecemos hoy en día.

Tras un inicio muy Lost, donde se nos cuenta de una forma muy sutil la pérdida materna de Joe y un conflicto entre adultos, Super 8 nos pone en la piel de un grupo de chavales empeñados en terminar su película sobre zombies. Cada uno, como en el cine real, encargado de su cometido, dispuestos a sacrificar horas de sueño y saltarse reglas parentales para terminar su peculiar obra colectiva. La colectividad será esencial, pues el grupo es más bien un solo personaje multicéfalo. No obstante Joe (Joel Courtney) y Charles (Riley Griffiths), director y mente creativa del cotarro, amigos desde la infancia y la nueva integrante de la troupe, Alice, magnífica Ellen Fanning, serán quien hagan avanzar la historia. Tras escaparse para grabar furtivamente una secuencia de la película en una destartalada estación ferroviaria, serán testigos de un aparatoso accidente de tren que descarrilará dejando libre lo que parece ser un peligroso misterio militar. Testigos de las últimas palabras de su profesor de química, que provocó a propósito el accidente, el grupo intentará seguir adelante con su película a pesar de que el pueblo empieza a sufrir extraños acontecimientos y desapariciones. Será, gracias a la película de super 8 que grabaron, cuando descubran qué cosa anda suelta en el pueblo. Adultos y niños empiezan paralelamente la resolución del misterio, poniendo en evidencia el alto grado de incomunicación que existe entre ellos. La incapacidad de los adultos para resolver problemas, desde un malentendido relacionado con la muerte de la madre de Joe, hasta la lidia con un monstruo de otra galaxia, es claramente notable, cosa que refuerza el discurso apasionado de los niños, la fe en el futuro, en definitiva, la fuerza que hace que la historia siga su curso, como en Los Goonies enfrentados a los Hermanos Fratelli o el grupo de amigos de Stand by me (R.Reiner, 1986) que, a pesar de sus traumas familiares y defectos, emprenden una aventura que les llevará a madurar y convertirse en adultos mejores.

Durante gran parte de la película, aquello monstruoso se nos muestra, tal y como ya hizo J.J Abrams como guionista en su primer largo Cloverfield (M.Reeves, 2008), siempre en segundo plano o fuera de campo. Es inevitable pues, tal y como él mismo afirmó, la influencia de Alien (R. Scott, 1979) en muchas secuencias donde solo vemos un escurridizo y algo crustáceo alien haciendo de las suyas en las noches del pequeño pueblo de Lillian (Ohio). No se nos revelará la verdadera intención de extraterrestre hasta que, gracias de nuevo al cine, el grupo encuentre en las “mazmorras” del colegio las películas de super 8 de su profesor, que contienen parte de la resolución del misterio, tal y como hacían aquellas cintas del Profesor Chang en cada una de las Estaciones Dharma de la isla de Lost. El extraterrestre en definitiva, como E.T (S.Spielberg, 1982), sólo quiere volver a su casa, construir su nave y largarse a su planeta, algo que sólo los críos, sobretodo Joe, comprenderá y que se manifestará en una de las escenas más conmovedoras del film, que nos recuerda, irremediablemente al entrañable alien cabezón de ojos azules creado por Spielberg.

Los adultos, encerrados en sus traumas y rencores, o demasiado ocupados, no acaban de comprender a sus hijos, sobre todo no comprenden su pasión por el cine. Una pasión claramente inspirada en las infancias de Steven Spielberg (en más de una ocasión ha compartido que sus primeras filmaciones fueron choques de sus maquetas de trenes eléctricos) y J.J Abrams. Y el amor al cine es aquí incuestionable, no sólo por las abundantes referencias cinéfilas o por que manifiesta esa obsesión puramente vocacional de los chicos, sino también porque es una película cuidada: un regalo para todos los nostálgicos.

No obstante, la nostalgia no lo es todo, porque no tengo duda de que las nuevas generaciones sabrán apreciar Super 8 como lo que es, una película emotiva, de fuerte personalidad, muy entretenida y con un soberbio sentido del humor hasta en las ocasiones más inesperadas. Algo poco visto últimamente, alejada del nihilismo o la rabia, o de las temáticas postapocalípticas y autodestructivas tan abundantes hoy en día. Tras este discurso de “abuela cebolleta” no con ello quiero decir que todo tiempo pasado fue mejor, pero sí, posiblemente más inocente.

"White Material" Claire Denis (2009)

2011-07-11T09:22:00.008+02:00

Creo que es ya la tercera vez que hablo en este blog de una película de Claire Denis, así que queda más que claro que es una de mis cineastas actuales favoritas a la que admiro y de la que disfruto con cada uno de sus films. No obstante, White Material, primera de sus películas estrenada en España no es, ni de lejos, mi favorita.

Los caminos de la distribución cinematográfica española son inescrutables, y muchas veces absurdos y paradójicos, así que no sé porqué razón se decidió estrenar este film y no otro de su vasta e interesante filmografía. Por no hablar de la traducción del título original (Una mujer en África), que no le hace para nada justicia y la convierte en una suerte de telefilm de mediodía o bien película de domingo por la tarde apta para abuelitas, despojandola de ese componente tan objetual, tan concreto y casi peyorativo que tiene el nombre original, en inglés, para más inri. A pesar de estos “obstáculos” nos encontramos ante un film rico con características y problemáticas que hemos podido ver en obras anteriores de Denis.

El placer de seguir a los personajes de cerca, escrutándolos con primeros y primerísimos planos, acompanándolos sea en tractor, furgoneta o motocicleta, donde la cámara parece ir pegada a los protagonistas es un signo identificativo de su cine. Situada en un país ex-colonia francesa en plena revolución o guerra civil, encontramos a María Vial (Isabelle Huppert) y su desfragmentada e inestable familia. Su obsesión enfermiza por salvar la plantación de café, en medio del absoluto caos y del miedo que reina entre sus jornaleros, le llevará a desoir las advertencias de todos (familiares, amigos incluso ejército francés) y se negará a abandonar las tierras, no por un sentimiento de apego y amor al terruño sino más bien por un sentimiento posesivo de la propiedad y un miedo tenaz de volver a Francia, cosa que significaría la asunción de su derrota y la confirmación del fracaso de su proyecto de vida. Por si no bastara una guerra civil, un ex-marido, Christopher Lambert, y un ex-suegro algo siniestro y un hijo al borde de la locura (una locura que no acaba ni de comprenderse ni de desarrollarse plenamente) también aparece en escena una especie de figura mitológica, un soldado rebelde malherido apodado El boxeador (Isaach de Bankolé), que es buscado por unos y por otros, pero del que no acabamos de saber el porqué de su cacería, quién lo ha herido y qué ha hecho en su pasado para terminar escondido en el granero de casa de María.

A pesar de mi amor por Denis, de la honestidad del film (de todos sus films), alejado de los tópicos paisajes de la África colonialista y del tufillo de culpabilidad que rezuman muchas películas situadas en un contexto similar, White Material no acaba de tener todos los cabos atados. Denis, hace, no obstante, un buen uso de la elipsis y del flashback para contarnos esta historia, y como siempre, parte de la magnífica atmósfera del film, se debe a la música de sus amiguísimos Tindersticks, pero otros factores oscurecen su buena mano: María, la protagonista principal, es un personaje demasiado embebido en su mundo, se muestra algo plano y repetitivo. Su hijo, Manuel (Nicolas Duvauchelle), es un personaje “inacabado”, tal y como lo describen una vez dentro del film. Su conversión en “el perro amarillo”, un loco con la cabeza rapada y tatuajes un poco de pega, es forzada y precipitada. El malparado suegro se excede en su decisión final, sin un motivo suficientemente de peso y sobre todo, la figura más enigmática y que más juego podría dar, el Boxeador, está más que relegada a un segundo plano (tercero o cuarto más bien) sin dejarnos claro cual es su papel en todo este berenjenal.

Que esto, sin embargo, no nos impida disfrutar de su buenhacer, aunque no sé si la decisión de estrenar esta película justo ahora, y con la escasa acogida de prensa y público, será determinante a la hora de poder ver en salas sus próximas historias. Espero sinceramente no ser agorera y llamar al mal tiempo. Larga vida a Claire Denis.

NEVER LET ME GO (2010) Mark Romanek

2011-03-25T16:00:00.015+01:00

No nos dejemos engañar por la promoción, por el bucólico poster o por las imágenes de la lánguida Keira que nos podamos encontrar en webs, vallas publicitarias y revistas sobre cine. Lo que tenemos delante es un cuento bien perverso articulado en forma de pieza artística que, a pesar de un gran esfuerzo y la belleza que transpira, no acaba de funcionar completamente.

A partir de la novela homónima de Kazuo Ishiguro, Romanek nos situa en un pasado/futuro distópico donde las enfermedades más agresivas han desaparecido gracias a un sistema de clones que, llegados a la madurez, donarán sistemáticamente sus órganos para salvar la vida de los pacientes que lo necesiten. Los donantes son educados en colegios donde su contacto con el exterior es nulo aunque gozan de cierta libertad, al menos moral y creativa, a pesar de su internamiento. En el colegio de Hailsham encontramos a Kathy H.(Carey Mulligan) narradora de la historia, Tommy (Andrew Gardfield) y Ruth (Keira Knightley), que pronto formarán un triángulo amoroso al llegar a la adolescencia.

Sucede que, lo que en Monsters (2010) se vendió como una historia de alienígenas cuando en realidad era una historia de amor indie, en Never Let me go se nos narra una historia de ciencia ficción maquillada de historia de amor. La actitud de los donantes una vez revelada su función es de absoluta resignación y aceptación, pero se trocará en incertidumbre y rabia cuando, una vez adultos y enamorados deciden aplazar su cruel destino. Una especie de “stop, in the name of love” que no será escuchado puesto que su único cometido y fin en la sociedad es la de morir antes de la edad madura para salvar a otros.

La visita de Kathy y Tommy a Madame, una vez Ruth expía su sentimiento de culpa por no haber dejado durante años que ellos dos disfrutaran del amor que se profesaban mutuamente, es como la charla que el replicante Roy tiene al final con Rick en Blade Runner, donde, a pesar de demostrar su humanidad, de individuo que siente, padece y es capaz de crear, para la sociedad no deja de ser una máquina, un mero instrumento. “Os compadezco, criaturas” dice la madame acariciando la mejilla de Kathy mientras derrama una lágrima de resignación (como las “lágrimas que se perderán en la lluvia” de Roy, el replicante) después de creer que el amor podía salvarlos. Con este gesto comprendemos que, lo que en un principio creíamos un sistema represor que educaba pero que mantenía aislados a los donantes era simplemente la última forma de mantener la dignidad de unos seres que no son considerados ni siquiera humanos. Después sólo queda “las fabricas de pollos” como apunta uno de los personajes, donantes industrializados tratados como meros continentes.

Situado en una Inglaterra bucólica de mediados de los 70 (aunque la narración sea más bien atemporal) que sin querer nos recuerda a ese futuro retro de Fahrenheit 451 (1966)de Truffaut y un poco a The Village (2004) de M. Night Shyamalan sobre todo el contexto del internado y sus historias, Romanek (genio del videoclip que debutó en el cine con Static (1985), aunque fue más conocido tras One hour photo (2002), demuestra su buen hacer, con un tratamiento una pieza casi artística, pero que, como también sucedía con la última película de Jane Champion, Bright Star (2009), parece no acabar de reconocer las formulas narrativas que acaben de seducir al espectador , aunque su belleza formal sea extraordinaria así como el tratamiento del paisaje y los ambientes en correspondencia con los sentimientos y estados vitales de los protagonistas, la infancia en plenitud, vivida en un acogedor colegio en plena campiña y más tarde en una declinación hacia un paisaje más sórdido, vacio y frío. No deja de ser interesante, por otra parte, y viniendo de quien viene y del terreno del que viene, la fe que profesan los protagonistas en el arte. La fe en su capacidad creadora y la inocente ilusión de cómo ésta (junto al amor) puede salvarles de su inefable destino, pero para los demás el arte era sólo una prueba, finalmente desoída, de, ya no que su alma era pura y eran criaturas creativas y capaces, sino de que simplemente eran.

BOARDWALK EMPIRE: Intro, sueños y arte

2011-03-23T17:30:00.023+01:00

Sigo fascinada por la intro de Boardwalk Empire, la nueva serie de la HBO con Steve Buscemi, producida por Martin Scosese y Mark Wahlgberg. La calidad de las producciones de la HBO es ya indiscutible después de series memorables como Los Soprano (sin duda mi favorita) o The Wire, y con Boardwalk Empire, que nace con el sello Scorsese en el primer capítulo, no parece quedarse atrás.

La intro nos muestra unas imágenes de ensueño, donde el protagonista , Enoch “Nucky” Thompsom , aparece en la orilla de la playa de Atlantic City, mirando al mar, bajo un cielo radiante que pronto se trocará en cielo de tormenta. Una tormenta onírica que trae a la orilla millares de botellas de whisky, producto con el que Mr. Thompson se lucra de forma ilegal en plena ley seca. El hombre frente al mar, la tormenta, los conflictos que le traerá su turbio negocio, cómo el mar se vuelve alcohol, cómo los caros zapatos de Nucky se bañan al subir la marea y cómo estos, inmediatamente después aparecen secos, el sol vuelve a salir y se dirige de nuevo a la ciudad, que aparece desdibujada en el horizonte como si del mismísimo Oz se tratase.

El hombre frente al mar en soledad, frente a la inmensidad de lo insondable, del destino si se cree en él, que lentamente saca un cigarrillo de la pitillera y fuma, no con resignación, sino más bien con cierta curiosidad ante lo que viene, como el Don Draper de la intro de Mad Men, (serie esta vez de AMC), que fuma en un sillón de espaldas al espectador, pero de cara a los diversos avatares de la vida moderna. Una iconografía que, aunque remite al héroe moderno, individuo que se enfrenta a los problemas en soledad, no nos habla de romanticismo, sino más bien de surrealismo, al surrealismo del día a día. Y aquí mencionaríamos a Magritte y su Le fils de l’homme por ejemplo, debido el carácter onírico de la escena y por lo surrealista (las botellas de alcohol que emergen del fondo del mar) que en este caso vincularía, por la repetición absurda del motivo, a Goldconda donde sobre una ciudad llueven decenas de hombres con traje y bombín. Botellas y hombres de negro con sombrero hongo, el cielo y el mar abierto.

En el cine, si bien el cine no es ya un “gran sueño colectivo” (parafraseando a Jean Cocteau), la representación de los mismos siempre ha sido complicada. Bergman, en su autobiografía Linterna Mágica decía lo siguiente: “Cine como sueño, cine como música. Cuando el cine no es documento, es sueño… Por eso Tarkovski es un visionario, tal vez el más grande de todos”, entre los que también podríamos incluir a Fellini, Kurosawa o Buñuel.” No sé si Scorsese está a nivel de de estos tres pilares de la historia del cine, me refiero a alcanzar la excelencia en cuanto a representación del sueño, aunque en Shutter Island tiene amagos realmente lúcidos. No obstante, me sorprende de buen grado la fascinación por el sueño dentro de la narración que parece tener la nueva corriente de ficción televisiva. Recuerdo un maravilloso capítulo de Los Soprano en el que, prácticamente todo el capítulo era sueño, o un sueño dentro de un sueño (Fincher , pensaremos, aunque era más bien Lynch, a mi entender máximo exponente vivo de la actual representación onírica en cine) en el que se decía más de toda la serie y su idiosincrasia que en 6 temporadas juntas. Justo Los Soprano, con su trama muy de la mano de referencias psicológicas y psicoanalistas (freudianas y jungianas), el componente onírico e interpretativo de las imágenes es crucial.

Hay sueños maravillosos dentro de las narraciones cinematográficas; ¿cómo no pensar en el sueño de Los olvidados de Buñuel, Spellbound con un sueño escenografíado por Dalí, surrealista entre los surrealistas, el inicio de Otto e mezzo de Fellini o Mullholland Drive?, por citar los más destacados, pero, no me quiero ir del tema, y el tema es Boardwalk Empire y como su inicio, sueño jeroglífico, nos revela algunas pistas y claves que sólo podemos comprender si continuamos viendo,( en este caso continuar viendo la serie), si continuamos soñando colectiva o solitariamente. A pesar de los sinsabores del último cine, la ficción televisiva nos ofrece algunas guindas a las que cada vez más estamos acostumbrados a no ver en el cine.

Apuntes sobre GILDA Charles Vidor (1946)

2011-03-22T17:11:00.011+01:00

Ayer volví a ver Gilda y me sorprendí con el abrupto final. Un final así, apenas resuelto, con un muerto al que nadie hace caso y que ya se daba por muerto, un policía romántico que exculpa a el Tío Pio del asesinato, así sin más, porque el amor lo vale, y un “volvamos a casa” que cierra la película después de múltiples idas y venidas tanto de Farrell como de Gilda, que al final se vuelve insoportable. Me pregunto si algo así sería posible ahora y la respuesta viene sola. Los tiempos narrativos han cambiado y por supuesto no sería posible. Ni el final ni la intensidad que Charles Vidor puso en cada uno de sus personajes.

Es realmente dificil ver más allá del mito, más allá de ese movimiento de cabeza con el que se nos presenta Gilda, más allá del guante, del bofetón, del baile. Gilda es la encarnación de la niña/mujer, caprichosa y voluble, tal y como apunta Farrell refiriéndose al bastón espada que lleva su protector Mundson, “ aparentan ser una cosa, cuando en realidad son otra”. Así, Gilda, aparenta ser una femme fatale, una mujer que manipula a los hombres a su antojo y se casa con el dueño de un casino por su dinero, cuando en realidad es una niña despechada que aún ama profundamente al hombre que, en una pataleta, abandonó, que no ha conseguido olvidar y que ama y odia a partes iguales. “Creo que voy a morir de odio” le susurra a Farrell antes de darle uno de esos besos de película.

La mujer /niña vampira, figura arquetípica, que oscila entre la sexualidad más apabulladora y la inmadurez y a veces inocencia caprichosa de una niña malcriada. Intensa, reina del drama, sofocante pero terriblemente irresistible.

Nadie como Rita. Nadie como Gilda

"Margarita" Albert Pons (2009)

2011-01-24T12:52:00.005+01:00

Dentro del ciclo “Emergentes y Sumergidos” que nos ofrecen cada domingo María Adell y Marta Bassols en la Asociación Freedonia del Raval, tuvimos el honor de visionar en primicia el documental de Albert Pons, Margarita también ambientado en el Raval.

Albert, joven cineasta salido de la ESCAC empezó a rodar este documental en 2004, en un momento en el que la especulación inmobiliaria del barrio era un tema candente. Partiendo con la idea de hacer un documental al respecto, como si de apartar hojas de alcachofa se tratara hasta llegar al corazón de la historia, Albert fue profundizando en el barrio y su gente hasta encontrarse, gracias al Dr.Franch, médico que pasaba consulta a los viejos del barrio, con Margarita y Pilar. Margarita, de noventa y tantos, vive sola en su piso del Raval, sin más compañía que la que le brinda Pilar, de ochenta y pocos, y que se encarga de limpiarle la casa y hacerle la comida. Aunque dicho así parezca idílico y conmovedor, entre las dos señoras se instaura un clima de tensión y una especie de lucha de poderes que ninguna de las dos abandona en parte por miedo a estar todavía más solas.

Margarita, llegó a Barcelona en sus años mozos y ejerció la prostitución en las Ramblas, o en lo que antes llamaban “el barrio chino”. “¿Barrio chino?”, pre

guntó la joven Margarita, nos explica, ¿”Y dónde están los chinos? Luego me explicaron que era un barrio en el que los hombres iban a buscar mujeres. ¡Qué ignorante!¡Qué cateta!”-ríe Margarita mientras nos cuenta sus inicios a cámara. Por otra parte, el personaje algo oscuro de Pilar y sus interminables discursos surrealistas con ciertos delirios de grandeza, nos revela una auténtica drama queen, dónde sus miradas a cámara, sus silencios, sus confesiones con lengua viperina nos descubren la relación amor/odio de las dos viejas, que no se dejan por pena, pero constantemente están a la greña.

Albert, pasó con estas mujeres alrededor de 7 meses, grabándolas prácticamente a diario, hasta que ellas se acostumbraron a él y a la presencia de la cámara, presencia que prácticamente desaparece, se hace invisible a pesar de que las dos mujeres son conscientes de ella en todo momento y la utilizan como válvula de escape, dónde vierten su desconfianza para con la otra, sus miedos, sus delirios y sus penas.

Bebiendo de la influencia de otros documentaristas como Jordà , Guerín o los hermanos Maysles, Albert rueda con una cierta fría proximidad, sin involucrarse nunca del todo. Gracias al montaje de Pau Teixidor se crea un equilibrio entre los parlamentos de Pilar y los silencios de Margarita, así como cierta narrativa en loop, subrayando la rutinaria cotidianidad que se establece entre las dos (Pilar le pregunta cada día que quiere para comer, Margarita da cuerda al reloj cada día en una escena llena de connotaciones y lecturas) .

Margarita, a pesar tratar un tema bastante dramático (la soledad de los mayores en un barrio en plena transformación pero también en plena decadencia, que evidencia el final de una época) Pons muestra dos personajes (ya que prácticamente actúan delante de la cámara) y situaciones en ocasiones cargadas de humor.

Especialmente emotivo el principio, con una serie de situaciones en blanco y negro, donde el doctor Franch conversa con gente mayor del barrio, y el final, dónde, después de una caída Margarita es ingresada a una residencia de ancianos (guardería de viejas, como apunta Margarita en una ocasión) en Alagón, Zaragoza, por unos familiares. Cuatro años después Albert y Pau la encuentran todavía allí, con un profundo cambio en ella, más cerca de la muerte, más ajada y ausente pero todavía capaz de enviar a la mierda a sus compañeras. Un guiño a cámara, nos la devuelve más a la vida.

Como Antoni Padrós, padrino cinematográfico de Pons, dijo respecto a Margarita, se trata de una ¿Qué fue de Baby Jane? en el Raval. Una historia sobre el final de una época, sobre un barrio complejo acosado por la especulación inmobiliaria, sobre la soledad y el abandono de tantas Margaritas y Pilares que habitan en él.

Mentiras y Gordas

2011-01-20T15:22:00.017+01:00

La ministra Sinde responde a toda la polémica surgida en la red, a partir del fracaso de su controvertida iniciativa legislativa en torno al tema de las descargas en internet en un artículo publicado en El País http://www.elpais.com/articulo/cultura/adversario/elpepucul/20110118elpepicul_2/Tes

El artículo es absolutamente pedante y manipulador, quizás en lugar de titularse El adversario es otrodebería haberse titulado como ese gran icono cinematográfico y de “calidad” de la cultura española producido dentro de los marcos de representación institucional y con los derechos de autor bien amarraditos que fue Mentiras y Gordas, cuyo guión corría a cargo de la Ministra en cuestión (junto con Alfonso Albacete).

Para empezar y dar empaque nos coloca una cita de El Quijote bien recortadita en la que omite el siguiente párrafo: "por tiempo y espacio de diez años, que corran y se cuenten desde el dicho día de la data desta nuestra cédula” (http://cvc.cervantes.es/obref/quijote/edicion/parte1/el_rey/default.htm ). Bueno, esto cambia un poco las cosas, pero a la Ministra tampoco le interesaba mucho citar este detallito.

González Sinde parece no entender nada de lo que se ha estado comentando estos días y, ahora puedo entender mejor la frustración de la que hablaba Amador Fernández Savater en su artículo La cena del miedo (http://acuarelalibros.blogspot.com/2011/01/la-cena-del-miedo-mi-reunion-con-la.html ,ya que parece que realmente son incapaces de escuchar y de entender. Todo un articulo masticando la palabra democracia y libertad hasta que pierde realmente su sentido. Sinde confunde el concepto cibernautas o simplemente usuarios de la red conscientes de nuestros derechos y también de nuestras responsabilidades con meros hikikomori, esos adolescentes japoneses que se encierran en su habitación por periodos prolongados de tiempo, años en ocasiones, que viven una vida alejada de la realidad, aislados, viendo la televisión o conectados a internet viviendo una pseudovida virtual. Según su descripción parece que “los otros” son usuarios deprimidos e insatisfechos con su vida que se dedican a dar por el saco a los ministros porque están aburridos. Me parece realmente que esta señora no ha entendido nada.

La gente que reivindica un cambio de modelo cultural y de negocio no somos freaks encerrados en nuestras casas ni incordiadores amateurs, si no que creemos que un cambio de mentalidad es necesario para que los privilegios de algunos dejen de existir y se construya un nuevo marco legal en el que compartir cultura no esté penado. Gratis o no, se pide un precio justo, no desorbitante como hasta ahora ha sido, por ejemplo, en el caso de la industria musical, y sobre todo entender que, tal como apunta Amador “un mundo que es y será infinitamente copiable y reproducible” . Seguramente la ministra ignora que, entre lo que ella entiende como esa especie de hikikomoris ladrones hay muchos Meliés (tiene bemoles el ejemplito de la ministra) y que son justamente ellos, los protectores del modelo obsoleto, los que intentan llevar “ a la ruina imponiendo un modelo de negocio que llevaba anejo un modelo narrativo, estético e ideológico único” mientras los Meliés anónimos se las ven y se las desean para vivir de su arte en este mundo cultural dominado por unos pocos.

Y para terminar, una pataleta, ya que estoy totalmente de acuerdo con Amador:” si yo me atocino la tarde del domingo con mi novia en el cine viendo una peli cualquiera (y aquí añado yo, Mentiras y Gordas, por ejemplo), estoy valorando la cultura porque pago por ella. Y si me paso dos semanas traduciendo y subtitulando mi serie preferida para compartirla en la Red, no soy más que un despreciable consumidor parásito que está hundiendo la cultura”.

Es para pensárselo, ¿no?.

The Town (Ciudad de Ladrones) Ben Affleck

2010-11-06T11:41:00.005+01:00

Cuando creíamos que Ben Affleck se limitaría a par de comedias románticas por año, el actor, ya oscarizado por el guión de El indomable William Hunting (1997), nos sorprende con su vuelta a la dirección con The Town (Ciudad de Ladrones).

Cual ave fénix, Affleck deja atrás su faceta más mediática de la época JLo , cosa que afectó muy negativamente a su carrera, y sus sonadas farras para encauzarse de nuevo en “un cine de calidad”, tal y como su íntimo amigo Matt Damon viene haciendo en los últimos tiempos.

The Town nos presenta el pueblo de Charlestown y su larga tradición de ladrones, en los que se encuentra la pandilla irlandesa de Doug MacRay (Affleck) , especialistas en asaltos a bancos y furgones, que actúan con una precisión pasmosa siempre con máscaras curiosas. En uno de estos asaltos, de manera excepcional, se llevan a Claire (Rebecca Hall) como rehén hasta una playa cercana dónde la liberan. Este acto ocasional pone en jaque a la pandilla, entre la que se encuentra James Coughlin (Jeremy Renner) mejor amigo de Doug, ya que ella puede colaborar con el FBI y testificar en contra de James a partir de un tatuaje visto durante el atraco.

Doug empezará a seguir a Claire, tal y como James pidió, pero no estaba en el plan que una historia de amor surgiese entre rehén y secuestrada. El resto de la historia es más viejo que la tos: el buen ladrón (Doug) y el mal ladón (encarnado por un magnífico Jeremy Renner, interpretando como nadie a un macarra irlandés violento e impulsivo), la chica que redime al chico, la amistad entre el buen y el mal ladrón en peligro después de la intrusión de la chica, la tortuosa infancia del buen ladrón. En definitiva, amor redentor, amistad, venganza y ambición orquestrado por el capo mafioso irlandés del barrio, El florista (Pete Postlethwaite) y con un claro regusto a Heat (1995)

Aún cargado de estereotipos, Affleck compone una historia bastante sólida, con muy buenas escenas de acción, sobre todo en los primeros 45 minutos, cargados de adrenalina gracias a los primeros y primerísimos planos, muy veristas gracias a la steady cam y llena persecuciones y tiros a gogo en la segunda parte.

Curioso también el binomio “TV meets Cinema”, gracias a las actuaciones de conocidos televisivos como Jon Hamm (imposible no pensar en Don Draper de “Mad Men”), Titus Wellives (actor secundario más conocido por interpretar a la Némeis en la serie de culto “Lost”) y Blake Lively (la pijísima del Upper East Side ,Serena Van der Woosen de Gossip Girl )junto con actores consagrados como Chris Cooper, Pete Postlethwaite o el mismo Ben Affleck a pesar de sus muchos altibajos.

Pelicula de acción al uso, con un semi happy ending algo decepcionante, pero que nos augura esperanzas para ese joven prodigio que fue Affleck una vez. No transciende pero entretiene.

"Monsters" Gareth Edwards (2010)

2010-10-25T13:08:00.010+02:00

Es bastante habitual dentro de la historia del cine, que las historias de amor se enmarquen en situaciones catastróficas, de terror o riesgo, sobre todo si hablamos del cine de acción más mainstream. Dentro del cine independiente está conjunción es más peregrina.

Monsters no es ni de lejos una película de acción mainstream, con una pareja protagonista que, a ritmo adrenalínico, va saltando obstáculos, o, en este caso, cosiendo a balazos a cada monstruo alienígena que se le ponga al paso. De hecho Monsters, aunque así nos la vendan en su tráiler, no es exactamente una película de invasiones alienígenas.

Corren por Monsters dos líneas discursivas paralelas: La primera y principal, el encuentro de la pareja Sam (Whitney Able) y Kaulder (Scoot McNairy) y su progresivo enamoramiento. La segunda la invasión alienígena, con un claro regusto a esas películas de serie B que Estados Unidos concibió bajo un estado de tensión permanente en plena Guerra Fría.

Empezando por la segunda línea ni que decir cabe que se produce un eco entre películas como Distric 9 o la recién estrenada Machete, sin olvidar ese eco más lejano que nos remonta a películas como Them (1954). Estas tres películas (aunque la más alejada en cuanto a género sea Machete) nos hablan exactamente de lo mismo: del miedo al otro, su desconocimiento y su rechazo absoluto. No es baladí que las tres ficciones ocurran en territorios conflictivos como Sudáfrica o México, dónde los conflictos raciales y el miedo a la expulsión están siempre presentes o han estado a lo largo de su historia. Los monstruos, que ellos llaman “criaturas” en un acto de despersonalización y desconocimiento absoluto, aunque hayan pasado 6 años de su llegada, son, efectivamente “los otros”, los mexicanos invasores a los que hay que censurar su entrada en Estados Unidos (recordando la polémica Ley de Arizona, como así también lo hace Machete), a los que hay que ponerles un muro de contención si hace falta y a los que hay que disparar sin pensarlo dos veces sin ni siquiera molestarse en saber por qué han venido, qué buscan y cuáles son sus intenciones.

Por otro lado, tenemos a los dos protagonistas, que, a su manera, son también dos alienígenas en tierra extraña. Él es un fotógrafo que deberá acompañar a la hija de su jefe a lo largo de la zona infectada para llegar a “casa”. Pronto se darán cuenta de que aquello que llaman casa ya no lo es tanto y que en realidad, a medida que se aproximan a ella físicamente se sentirán más alejados. No les espera nada que les haga felices. Su condición de extraños los acercará mediante diálogos intimistas, muy naturales, cercanos a Linklater o Mendes en su Away we go.

El clímax de su relación, llega justo cuando visualizan y penetran el muro de contención que rodea la frontera de EE.UU (ese muro que los protege, pero también los aísla y los enjaula). A la espera del rescate por parte del ejercito en una gasolinera abandonada aparecen dos “criaturas”. Una se alimenta de la corriente o de los rayos catódicos de la televisión de la estación de servicio (una crítica tal vez a la falsa utopía que ven los inmigrantes en la caja tonta), otra parece ir en su búsqueda. Ambas, temibles, parecen reconocerse, palparse, saludarse, incluso besarse afectuosamente, como amantes o como madre e hijo, antes de huir cada una por su lado, ante la inminente llegada del ejercito. Este saludos, “humaniza” a las criaturas, nos las acerca y nos la hace más comprensibles, al menos para Sam y Kaulder, que visualizan la escena pasmados, emocionados e incluso identificados con los monstruos, su soledad y su incomprensión del mundo que les rodea.

En resumen, una bellísima historia de amor en un marco hostil, alejada de las películas de invasiones extraterrestres al uso. Altamente recomendable.

Nombre: Monsters (2010)

Duraciòn: 94 Minutos

Pais: Inglaterra

Estreno: 29 de Octubre 2010 – USA

Director:Gareth Edwards

Guion:Gareth Edwards

"La Red Social" David Fincher

2010-10-16T17:25:00.009+02:00

Definitivamente La Red Social no es una película sobre Facebook, no es un biopic al uso, ni mucho menos una crítica a la sociedad actual embebida por internet y sus diversas redes sociales.

Fincher, ya bastante acostumbrados nos tiene a presentarnos como protagonistas a outsiders, freaks (en el sentido de monstruoso, como en El curioso caso de Benjamin Button ) asesinos (Seven, Zodiac) o parias . Esta es una película sobre uno de estos personajes: Un geek de Harvard con un potencial e una imaginación portentosa, la cual desborda los límites de la “ética” para llevar acabo el que viene siendo, no solo una de las empresas más rentables de la década (con 500 millones de usuarios) sino uno de los hallazgos tecnológicos que han reinventado nuestra manera de comunicarnos no solo en la red si no fuera de ella (¿a cuántos de nosotros ya no nos preguntan por nuestro teléfono sino si tenemos facebook?).

Con unos diálogos que envidiaría hasta el mismísimo Howard Hawks, Aaron Sorkin (el cual hace un cameo como publicista), guionista entre otras cosas de El ala oeste de la casa blanca o La guerra de Charlie Wilson, nos presenta un texto que debe pesar al menos 5 kilos(!). Ya desde la primera escena nos marca un rítmo trepidante, subrayado por el plano/contra plano , con unos actores que parecen seguir un cuatro por cuatro de un metrónomo interno.

A Jesse Eisenberg, que le han regalado este caramelo hecho personaje, encarna a un Mark Zuckerberg que ya no es Mark Zuckerberg, si no algo más. Desde luego hablamos de un personaje “bigger than life”. Cuando pensemos en el creador de Facebook será inevitable pensar en el deslenguado Jesse de mejillas sonrojadas, al igual que muchos cuando pensamos en Van Gogh lo hacemos poniéndole la cara de Kirk Douglas. Eisenberg nos recrea a un programador freak, con mente genial, lengua vivaraz y mucha sed de crear y crecer con unas dosis de infantilismo exacerbado y una falta absoluta de eso que llaman “social skills”.

Por una rabieta de despecho tras la ruptura con su chica, crea en una sóla noche un programa que comparte con todo el campus dónde se comparan chicas “buenorras” de la Universidad. Facebook parece surgir de otra pataleta de crio, esta vez porque su mejor amigo ha sido elegido en un prestigioso club univesitario. La ambición y el despecho es el caldo de cultivo que le llevará a robar (robar, sí) la idea de los gemelos Winklevoss (ambos interpretados por Armie Hammer) que encarnan el “espíritu Harvard” y que son el contrapunto de Mark. Aquello que realmente repulsa, la casta social de una de las universidades más prestigiosas del mundo, los trajeados que llegan a las altas esferas de la sociedad, a los altos cargos, los que se convertirán en nuestros mandatarios. Mark propina una patada a esta estirpe para, trepando por encima de sus espaldas (tal y como él crítica una vez esta intención a los gemelos), colocarse en la mismísima cima, siendo, a los 26 años el milmillonario más joven del planeta.
Fincher, despliega un elenco de personajes que, ni son simpáticos, ni agradables y, tal como dice la abogada en el dialogo final “se esfuerzan por ser gilipollas”, pero dotados de una complejidad y profundidad que pocas veces podemos ver en el cine. No obstante la película no solo la mantienen los personajes sino un tratamiento de la imagen excelente una atrevida selección musical, el trepidante montaje con la superposición de tiempos pasado y presente sólo interrumpido por ese pasaje con el que nos obsequia Fincher para coger aire como la secuencia de la competición de remos a ritmo de Grieg.

No se si La red Social es aquello que han tildado de obra maestra o puro cine, puede que sí sea un poco de las dos cosas, de lo que no cabe duda es de que tenemos en las pantallas un producto elaboradísimo hecho con la misma pasión, dedicación y casi diría obsesión a la que Zuckerberg dedicó a la creación y desarrollo de Facebook. Y cuando las cosas están hechas con pasión es entonces cuando se crean verdaderas obras de arte.

Título: La red social
Título original: The Social Network
Web oficial: http://www.thesocialnetwork-movie.com
Dirección: David Fincher
Producción: Donald Graham Burt
País: Estados Unidos
Año: 2010
Fecha de estreno: 2010-10-15
Duración: 120 minutos
Género/s: Drama, Histórico
Reparto: Rooney Mara, Andrew Garfield, Jesse Eisenberg, Rashida Jones, Brenda Song, Justin Timberlake, Joseph Mazzello, Malese Jow, Caleb Landry Jones, Max Minghella
Guión: Aaron Sorkin
Fotografía: Jeff Cronenweth
Montaje: Angus Wall, Kirk Baxter

"Air Doll" Hirokazu Kore-eda (2009)

2010-07-03T10:16:00.008+02:00

No es la primera vez que Hirokazu Kore-eda me sorprende, ni tampoco la primera que me emociona. Lo que más me maravilla de las obras de Kore-eda es la extraña proximidad y la familiaridad que se establece con los personajes, con el entorno, con los paisajes y a veces incluso con las costumbres, aunque se trate de una cultura totalmente diversa de la propia, tan lejana y tan inaccesible en muchos casos. Es capaz de subrayar aquello que nos es común a todos, aquello que nos une y nos hace iguales.

En Air Doll adapta una un manga (extraño en él, ya que basa sus películas en guiones originales) La figura neumática de una chica, de Yoshiie Gouda, de apenas 20 páginas, dónde la muñeca hinchable, de nombre Nozomi, cobra vida y descubre el mundo a su alrededor y los avatares de tener un corazón.
Nozomi (interpretada por la fascinante actriz coreana Doo-na Bae), la muñeca hinchable que una mañana cobra vida, es, como la mayoría de las muñecas sexuales, un objeto para aliviar el deseo sexual, pero también la sustitución de algo real, un simulacro. Su dueño, Hideo (Itao Itsuji), la trata como a una “novia”, habla con ella, la lleva a pasear por la nieve, le cuenta historias. Es la sustitución de su ex novia, también llamada Nozomi.

Cuando Nozomi despierta (como “Pinocho”), sale a recorrer las calles de Tokio, de los barrios más tradicionales de Tokio de hecho. Actua como una niña, actitud que contrasta con su verdadera función sexual. Se maravilla con las botellas de vidrio que los vecinos lanzan al contenedor, las luces, las tiendas y el video club. Es allí dónde conocerá a Junichi (Arata), el joven dependiente de video club del que se enamorará y de la mano de quien conocerá aquello que le rodea.

Con su curiosidad insaciable, Nozomi, irá uniendo invisiblemente las vidas de los personajes que la rodean cuyo nexo común es la soledad e irá descubriendo también, que el hombre es capaz de cosas maravillosas pero también de las bajezas más miserables. Nozomi se siente utilizada (al fin y al cabo es objeto sexual) y ninguneada. Con la amargura del descubrimiento del dolor va a visitar a su creador (¿una representación de Dios?), un artesano que le muestra su origen y el amor que siente por sus criaturas. Imposible no emocionarse ante la pregunta que le plantea a Nozomi “¿Todo lo que has conocido es triste?”.

Kore-eda deriva entre el cine fantástico y el costumbrista , con un deje documentalista proveniente de sus primeros años como cineasta. Air Doll es una maravillosa metáfora del descubrimiento de la vida, del paso de la infancia a la adolescencia, edad clave de los descubrimiento s y aprendizajes, la educación sentimental, el amor (“Tener corazón era tan desgarrador” dice Nozomi en una de sus reflexiones junto al río) el sufrimiento y curiosamente también el cine. El cine que, al igual que la literatura, nos ayuda a situarnos en el mundo, a encontrar nuestro lugar e incluso a responder algunas de las preguntas fundamentales de ser humano. El cine y también el erotismo o el descubrimiento de la sexualidad (una de las escenas más eróticas es aquella en la que Junichi hincha a Nozomi con su propio aliento) como vehículo de conocimiento y reconocimiento.

Air Doll es una joyita preciosista y delicada, con una fotografía sumamente cuidada (el operador es ni más ni menos que Ping Bing Lee, responsable de la fotografía de In the mood for love) y unos movimientos de cámara precisos y abundantes (bastante extraño en Kore-eda). Lo único que chirría es, además de la voz en off de Nozomi excesivamente didascálica, la escena bizarra final entre Junichi y Nozomi, algo completamente evitable que, en su ausencia hubiera redondeado esta historia de amor, erotismo, dolor y descubrimiento.

"The Ghost Writer" Roman Polanski (2010)

2010-04-26T16:20:00.008+02:00

Más allá de la polémica, si hay algo de lo que no cabe la menor duda es de que Polanski es un director con una fuerte personalidad propia y un sello muy particular que sabe imprimir en cada una de sus películas, ya sean adaptaciones de clásicos (Macbeth, Oliver Twist), best sellers (La novena Puerta, The Ghost Writer...) o guiones originales (Repulsión).

El escritor, en original The Ghost Writer, título más rico en connotaciones que el español, activa en Polanski, los mecanismos del cine que mejor sabe hacer, ese con sus dejes, sus tics, sus guiños. Nos narra la historia de un escritor de segunda pero resolutivo (Ewan McGregor),que deberá reescribir las memorias del ex-primer ministro británico, Adam Lang, interpretado por un sorprendentemente correcto Pierce Brosnan, acusado de “guerra ilegal”, algo que nos remite automáticamente a la figura de Tony Blair. Bajo un total secretismo y altas medidas de seguridad, el “negro” o escritor fantasma (del que apenas sabemos su nombre) se trasladará a la pequeña isla de la costa este de Estados Unidos donde se refugia Lang, junto a su mujer (Olivia Williams), activista política y asesora de su marido, y una corte de secretarias, ayudantes y personal de seguridad. Allí, tras leer el manuscrito y retomar las pesquisas de su sucesor, otro escritor cuyo cadaver fue hallado en la orilla tras coger el ferry, único transporte para poder salir de la isla, empezará a atar cabos siniestros del pasado y del presente del ex-primer ministro.

Pero lo importante del film no es tanto el guión, film noir que sigue la estructura hitchcocktiana del macguffin, si no como nos lo presenta Polanski, con una maestría y unas ganas de disfrutar haciendo cine que pocos cineastas actuales poseen. Polanski hace avanzar al personaje principal en la trama, moviéndose instintivamente, arrastrado por las circunstancias (magnífica secuencia en la que McGregor sigue a ciegas las indicaciones que le marca el GPS, en una suspensión casi completa de la voluntad). El escritor, convivirá junto con Lang, en su especie de casa/bunker (atención a la importancia de los espacios en Polanski), fría, aislada pero a la vez nos da la sensación de desprotección, con sus grandes ventanales sin persianas, que nos muestran un paisaje árido, desolador, de cielos grises y tormentosos, como si de un escenario se tratara, acentuado por una luz plomiza y artificial.

A esta artificiosidad se le suma una sensación de “extrañamiento” creado por la música, algo irónica de Alexandre Desplat, los diálogos, cargados de sarcasmo e cínicamente divertidos (sobre todo entre el escritor y la mujer del ministro), toques de humor (la recepcionista, el editor) y una importancia indecente a los personajes secundarios (claro divertimento) como el que se le da en ocasiones al encargado de mantenimiento, la sirvienta (con sus miradas suspicaces y sus entradas furtivas) y claro está, a la secretaria Amelia Bly (Kim Cattrall, rescatada de los abismos de “Sex and the city”). Es curioso, a su vez, el empleo “maléfico” de las figuras femeninas en el film (¿venganza quizás?), todas parecen saber más de lo que parece, todas parecen controlar y ejercer su poder de forma astuta y racional.

Abundan las autoreferencias y los homenajes (a Hitchcock sobre todo). ¿Cómo no pensar en “La muerte y la doncella” al ver los paisajes?, ¿cómo no remitirse al protagonista de “La novena puerta” y sus rocambolescas investigaciones?, ¿A caso el escritor no se mueve por una casa fantasmagórica como la de “La semilla del diablo”?

Más allá de un argumento, de si es una crítica política u otra descabellada (aunque no por ello menos inquietante y en ocasiones cierta) teoría del complot, se trata de una pieza divertida, personal y bien estructurada. Destacaría la escena final, fuera de campo, con las hojas volando por la calle, indomables, como aquellas mismas hojas que el criado intenta barrer del porche de la casa. Tarea estéril, tanto la del sirviente como la del escritor y la trama en sí. Un desenlace “absurdo” para mayor gloria de su casi perfecta ejecución.

El escritor
(The ghost writer)

Drama - Misterio - Thriller
Alemania - Francia - Reino Unido - USA
128 minutos
Año: 2010
26/03/2010

Página Web
Aurum

Ficha técnica
Director ROMAN POLANSKI
(+)

Reparto
Ewan McGregor El Escritor
Kim Cattrall Amelia Bly
Olivia Williams Ruth Lang
Pierce Brosnan Adam Lang
Timothy Hutton Sidney Kroll
Tom Wilkinson Paul Emmett
Robert Pugh Richard Rycart
James Belushi John Maddox
Eli Wallach Anciano

"An Education" Lone Scherfig (2009)

2010-03-11T12:10:00.012+01:00

En la Inglaterra pre-beatles, Jenny (Carey Mulligan, nominada al Oscar por esta interpretación) prepara sus exámenes de último curso, bajo la estricta supervisión de su padre (Alfred Molina), y así ingresar en Oxford. Todo entretenimiento, aunque fructífero, como el violonchelo, es una actividad prescindible y superficial para su padre. Jenny, a sus 16 años, sueña con ir a París y convertirse en una sofisticada señorita, mientras chapurrea el francés con sus amigas y canta canciones de Juliette Greco.

Estos sueños se volverán realidad cuando conozca a David (Peter Sarsgaard), un maduro soltero, que la introducirá en un mundo de glamour, dandismo y sofisticación con viaje a París incluido. David, sin embargo, esconde un amargo secreto, que pronto terminará en un profundo desengaño

Este es grosso modo la sinopsis de An education, film de la directora danesa Lone Scherfig, que ya nos sorprendió años atrás con un “Dogma” llevado a la comedia romántica con Italiano para principiantes y su otro film más célebre Wilbur se quiere suicidar. Una película alejada por completo de la estética dogma, muy clásica, muy correcta, como las de antes. Una iluminación brillante, cristalina, unas interpretaciones clásicas, con mucho diálogo, muy cuidado. Obvio, ya que el guión corre a cargo de Nick Hornby (basado en el ensayo autobiográfico de la periodista Lynn Barber) y se nota. Hornby crea personajes psicológicamente complejos, estructurados y completos, además de aderezarlo con sutiles toques de cultura popular y cinematográfica.

Scherfig nos presenta, con delicadeza y encanto (quizás algo idealizado) tanto el ambiente de una época como la abrupta transición que realiza Jenny pasando de la tierna juventud a la vida adulta sin pasar por la efervescente adolescencia. Podría considerarse un film de “coming on age”, donde la protagonista madura a través de diferentes experiencias, algunas traumáticas (la verdadera identidad de David, su profesión) , otras deliciosas (los conciertos de jazz, los viajes a París, las escapadas…). Jenny, deberá ser capaz de elegir un camino, ser consecuente con ello y más tarde ser lo suficientemente madura para reconocer su error, rectificar y continuar adelante.

An education es clara. No pretende deslumbrar, ni aportar nada nuevo, es más, vuelve atrás la mirada en aras de unas interpretaciones más que clásicas. Puede resultar algo acartonada y previsible, incluso moralmente ambigua o pseudo feminista, ya que Jenny, tras el desengaño decide no casarse con David y volver a su vida de estudiante para granjearse un futuro por y para ella misma en Oxford, pero a su vez, dejando toda una serie de experiencias que van más allá de sus estudios, y de las que luego, en esa frase final, parece ignorar. Jenny plantea la posibilidad para una mujer de ser algo más que ama de casa o maestra. Con su seguridad y autosuficiencia redirige su vida hacia un patrón alejado del de sus progenitores que desembocará en el inicio de la revolución sexual que sacudirá los cimientos de la sociedad occidental.

Título: An Education
Titulo original: An Education
Nacionalidad: Inglaterra
Año: 2009
Duración: 95 min
Clasificación:
Género: Biográfica
Color: Color
Fecha de estreno: 26/02/2010
Director:

Lone Scherfig
Guión:

Nick Hornby sobre el ibro de Lynn Barber
Intérpretes:

Carey Mulligan, Peter Sarsgaard, Alfred Molina, Dominic Cooper, Rosamund Pike, Emma Thompson, Cara Seymour, Sally Hawkins, Olivia Williams
Música:

Paul Englishby
Fotografía:

John de Borman
Montaje:

Barney Pilling
Distribuidora:

Sony Pictures

"Shutter Island" Martin Scorsese (2010)

2010-03-01T18:05:00.006+01:00

“Shutter Island” lo tenía todo para ser una película redonda. Una adaptación de la novela de David Lehane, del que ya se han hecho otras adaptaciones cinematográficas de sus novelas como Mystic River o Gone, baby Gone, una historia que podía dar mucho de sí, actores de la talla de Ben Kingsley, Max Von Sydow, Leonardo di Caprio (con el que ya trabajó en El Aviador y en la magnífica Infiltrados), Mark Ruffalo, Patricia Clarckson o John Caroll Lynch . Contaba con su montadora habitual Thelma Schoonmaker, contaba con todo un bagaje cinéfilo y con el beneplácito de productores y distribuidores, y a pesar de todo ello Scorsese nos presenta una película correcta pero cansina, de gran calidad formal pero carente de peso, de ritmo en muchas ocasiones que se acentúa debida a su larga duración y a las muchas escenas innecesarias o carentes de relevancia.

La narración empieza in media res, con Teddy Daniels (Leonardo Di Caprio), atormentado policía federal con severos traumas causados por su experiencia en la liberación del campo de concentración de Dachau, diciéndose a si mismo “que no debe perder la cabeza”, mientras se refresca la cara contra el mareo que le produce el ferry que le lleva a “Shutter Island”, donde se encuentra el Ashecliffe Hospital, una institución a medio camino entre un psiquiátrico y una prisión de alta seguridad. Teddy junto con su compañero, Chuck (Mark Ruffalo) debe investigar la misteriosa desaparición de Rachel Solando, una paciente acusada de haber ahogado a sus tres hijos en un lago y que parece haberse esfumado como por arte de magia de su celda.

Pronto se ven envueltos en una serie de incongruencias y sospechas que llevarán a Teddy a pensar que el Hospital no es más que una institución donde se practican los más escabrosos experimentos, en una suerte de intercambio de conocimientos con nazis exiliados, como así le insinúa al doctor Naehring (Max Von Sydow), doctor alemán residente en Ashecliffe. La investigación de Teddy se vuelve obsesiva y torpe, creyéndose incluso manipulado y drogado por los propios doctores.

Lo que en un principio se nos presenta como una narración que sigue los parámetros clásicos del cine negro, o bien la típica estructura del whoduit, con ciertas connotaciones de la teoría del complot gubernamental, acaba siendo, tras un giro rozando lo paranormal, un juego de espejos evidente desde los primeros minutos de película. Ya Teddy en el ferry nos da la clave, así como sus recurrentes sueños y alucinaciones.

Scorsese ha querido sorprendernos con su incursión en una nueva temática, pero pese al esfuerzo y profesionalidad, así como pese a las numerosas citas cinéfilas, sobre todo a Hitchcock (en el plano de la ducha, o la escena de la escalera de caracol del faro) la cinta no alcanza la perfección narrativa de algunas de sus anteriores producciones. Una auténtica pena, ya que, como he comentado anteriormente, la historia podría haber dado mucho más jugo si no se hubiese alambicado en su propia estructura, como si el mismo Scorsese fuese ese policía atrapado en los corredores del Pabellón C.

Título: Shutter Island

Título original: Shutter Island

Año: 2010

Duración: 138 minutos

País: EE.UU.

Género: Thriller, Drama, Misterio

Estudio: Paramount Pictures, Vértice Cine

"La Cinta Blanca" Michael Haneke (2009)

2010-02-09T12:56:00.003+01:00

Theodor W. Adorno, en uno de sus escritos sobre pedagogía se preguntó una vez qué mecanismos harían posible que una monstruosidad como el nazismo volviese a ocurrir. Buscar las razones políticas o históricas del nazismo es un trabajo duro pero posible, buscar las razones humanas, es decir, cómo llegó el alma humana a corromperse a tal extremo, cómo los valores básicos se pudrieron dando paso a una amoralidad perversa es prácticamente imposible. No obstante es justamente eso lo que ha pretendido hacer Michael Haneke en “La cinta blanca”. Estamos en un pequeño pueblo de Alemania hacia el 1913, dónde el accidente a caballo del médico del pueblo, al parecer intencionado, rompe la aparente armonía de la comunidad. El pueblo es gobernado por un barón y su familia y supeditado al ritmo que marca el trabajo de la tierra. Cada familia tiene varios hijos, que coinciden en el coro de la iglesia: los hijos del pastor sufren en sus carnes la rígida y represiva educación de sus padres, con castigos físicos y humillaciones, sin atisbos de compasión o cariño. Están los hijos del médico, una muchacha sacrificada que cuida a su pequeño hermano mientras sufre los abusos de su padre, el médico. Una familia de campesinos cuyos hijos, ante la injusticia del barón, destroza la cosecha de coles, una comadrona cuyo hijo sufre una disminución psíquica y es, a su vez, la amante del médico a la que desprecia y maltrata. Por último tenemos la figura conciliadora del maestro de escuela, (que es, a su vez, el narrador de la historia en voz en off, algo que en cierta manera lanza un paralelismo com “Dogville” de Von Trier) enamorado de la niñera de los hijos del barón: una muchacha tímida que encarna la inocencia y la pureza. Poco a poco, los “accidentes” y las brutalidades (la quema de un granero, el secuestro y maltrato del hijo del barón y del hijo retrasado de la comadrona) se suceden en el pueblo sin saber quien es el ejecutor.

En un clima de desconfianza, bajezas morales, abusos, castigos, venganzas y represiones crecen estos niños como el trigo en las cosechas. ¿Fueron estos los “mecanismos” que engendraron la semilla del mal en la Alemania pre-nazi?. Esto mismo se pregunta Haneke de forma magistral.

Con un blanco y negro que recuerda irremediablemente a Dreyer y una utilización del paisaje como metáfora que nos remite a Tarkovsky , Haneke ha querido con “La cita blanca” explorar los recovecos del alma de cada uno de los personajes mediante la narración de un cuento perverso. Almas emponzoñadas, viles, inmisericordes…ni el maestro, al parecer más concienzudo y con un sentido de la justicia a primera vista más desarrollado, se salva de la bajeza moral, cuando, tal y como hicieron muchos durante el auge del nazismo, acepta el consenso final sin rechistar y da media vuelta, sin escarbar en los hechos que predice, para vivir su vida con su mujer. Somos nosotros, de hecho, los espectadores, a los que Haneke nos obliga a mirar de frente en el plano final, donde vemos, congregados, a todos los habitantes del pueblo, incluido los niños.

Hay pasajes que ponen los pelos de punta y lo primero que a una le viene a la cabeza es a Bergman, sobre todo la conversación desgarradora y humillante entre el médico y la comadrona (¿a caso este diálogo desentonaría en “Gritos y Susurros”?. Para nada.) o el plano fijo enmarcando la puerta tras la que se están ejecutando los castigos a los niños mientras oímos sus gritos de dolor (¿a caso no recuerda esto a “Fanny y Alexander” o “La hora del lobo”?).

En una época de fuegos artificiales, de montañas rusas en 3D, en una época donde prima el pasmo y el más difícil todavía, es un lujazo encontrarse con esta joya que te reconcilia con el cine actual y te llena de esperanza. Una película sutil, profunda y, a su vez una bellísima metáfora de aquello que tiempo atrás Hannah Arendt denomino como “la banalidad del mal”.

Título V.O.: Das weisse band
Año de producción: 2009
Distribuidora: Golem
Género: Drama
Clasificación: No recomendado menores de 13 años
Estreno: 15 de enero de 2010
Director: Michael Haneke
Guión: Michael Haneke
Fotografía: Christian Berger
Intérpretes: Ulrich Tukur (El barón), Burghart Klaussner (El Pastor protestante), Steffi Kühnert (La esposa del Pastor), Christian Friedel (Profesor del colegio), Leonie Benesch (Eva), Ursina Lardi (La baronesa), Michael Kranz (El profesor en casa)

Huelga de cine

2010-02-02T16:52:00.007+01:00

Partiendo de la base de que la industria cinematográfica en este país está practicamente en pañales (bueno, no exageremos, digamos que acaba de hacer la comunión) no favorece para nada una ley como la que obliga a que el 50% de las películas, que superen las 20 copias, distribuidas y exhibidas en Catalunya sean dobladas o subtituladas en catalán.

Los abanderados de la causa dicen que “garantiza la libertad lingüística y cultural”, que “se defiende el derecho de los catalanes de ver cine” en su lengua. Los exhibidores, en su mayoría, temen que esta ley les hará perder dinero (sólo un 2’9% de los espectadores escogen al opción en catalán), los distribuidores amenazan con no acatar la ley por lo que, los exhibidores, ante el incumplimiento, deberán cerrar sala. Sea como sea, el cine y sus espectadores sale perdiendo, porque ¿Quién defiende al cine?.

Un manifestante, leo en El País, confiesa haber ido a la manifestación a favor de la ley porque considera que “los empresarios apátridas sobran”. Yo diría que sobran los empresarios y punto, pero esto resultaría un comentario trasnochado y bastante iluso, teniendo en cuenta cómo está el mundo. No me interesa que un empresario se sienta patriótico, me interesa que un empresario sepa ver que el cine, como industria cultural, como bien de la humanidad, arte al fin y al cabo (aunque…esto es otro debate) justamente de lo que carece es de patria. Otro apunta a que “sólo les interesa el dinero” y no la promoción de una lengua. De verdad, vuelvo a repetir ¿quién se encarga de defender al cine en medio de todo esto?.

A aquellos que disfrutamos de él, aquellos a los que ir al cine constituye una especie de ritual, un lugar en el que sentirse a salvo, el único lugar en el que, yo personalmente, siento que nada malo puede ocurrirme, esta ley, estas reacciones, este tufillo político nos sobra. Quien ama el cine, sabe que parte de su encanto reside en sus actores, en su voz, la cadencia, la modulación. Es una herramienta fundamental en toda interpretación, sin la cual, simplemente se puede considerar que se ha entendido la película a medias, o es simplemente no se ha entendido. Yo quiero oír la voz de Clooney, saber si es americano o francés, saber si es un americano haciendo de francés o ni una cosa ni otra y eso ni con el doblaje en catalán o en castellano se puede saber.

¿De verdad nos interesa ver a George Clooney hablando en catalán?, ¿favorecerá esto la integración de los inmigrantes?, a 7€ la entrada de cine, ¿son muchos los inmigrantes que pueden permitirse ir al cine?, y , ¡no sólo los inmigrantes, leñe!, que al final siempre echamos mano de ellos cuando de política lingüística se trata. ¿Me voy a sentir más catalana si veo películas en catalán aunque esta este rodada en rumano?.

¿Por qué hacemos del bilingüismo un problema cuando es una verdadera virtud?. Yo, como catalano parlante, defiendo el derecho a ver cine en su lengua original subtitulada, pero sobre todo defiendo lo que de verdad tendría que empezar a defenderse, y es un cine de calidad, no importa sea en catalán, castellano o suomi.

VENDREDI SOIR Claire Denis (2002)

2010-01-21T16:50:00.006+01:00

¿Qué ocurre en un encuentro espóradico entre un hombre y una mujer?, ¿En un momento de intimidad compartida con un extraño?, ¿Qué ocurre cuando la infidelidad no se contempla como una falta, si no como un momento fugáz, una especie de sueño libertador, una “canita al aire”, como se dice popularmente, sin ninguna consecuencia?
Ocurre que se filma “Vendredi Soir”. Más que una película una sinfonía de sensaciones, una amalgama de caricias, sabores, olores, una narración creada puramente a través de la imagen.

Claire Denis filma una historia basada en un relato de Emmanuèle Bernheim en el que Laure (Valerié Lemercier) , una mujer que está a punto de irse a vivir con su pareja, conoce en medio de un atasco monumental en el centro de París a Jean (Vincent Lindon), un guapo y maduro hombre que podría pasar perfectamente por un personaje godardiano. Ahí empieza la ensoñación de Laure, la fantasía con Jean que derivará en una noche de pasión en un hotelucho donde realmente sobran las palabras.

La historia divaga entre la realidad y la fantasía, ¿es real el encuentro?,¿el sexo furtivo, las miradas, las caricias extremadamente íntimas o es una pura fantasía de Laure, que teme al compromiso, que ve en Jean su última oportunidad de libertad pre-conyugal?. Para acentuar esta sensación de ensoñación aparecen ciertos momentos de “realismo mágico” que chirrían bastante dentro de la narración, haciéndolos totalmente prescindibles (anchoas que se mueven en una pizza, lámparas voladoras…).

Denis persigue nuevamente a sus personajes, los enmarca en planos detalle que remarca la supremacía de lo atmosférico, una creación de sensaciones a través de las imágenes y también de la música que acompaña todo el encuentro de los amantes furtivos.

No se trata de un “amour fou”, ni de una fuga de enamorados como en “Les amants” de Malle, pero sí encuentra un fuerte paralelismo con las películas de Wonk Kar Wai (la escena en ralentí con el cruce de ambos en las escaleras) aunque menos preocupada por la estética, o con el “Film Noir”, especialmente en las escenas del atasco o cuando Jean “toma el control” del coche en una trepidante secuencia que viene acompañada por un tratamiento musical que enfatiza esta referencia.

Menos gamberra que “Trouble Every Day”, Denis explora la fantasía femenina de una forma abrumadoramente honesta, aunque la forma cojee de cuando en cuando .El sexo, las preocupaciones, el enfurruñamiento (él le muerde más fuerte de lo normal), las fabulaciones que Laure se crea respecto a Jean, la pequeña sospecha…todo está contado a través de unos ojos de mujer, cómo no puede ser de otra forma. Simplemente una microhistoria de ¿amor? que sucede en un viernes noche.

Decadencia y Simulacros

2010-01-18T13:41:00.002+01:00

Siempre he querido apartarme de la concepción organicista de la historia pero empiezo a creer que estamos viviendo una auténtica etapa de decandencia, sobre todo a nivel cultural. Ya lejos de adentrarme en la política cultural de este país y en concreto de Cataluña, con su cerrazón, su oligarquía y sus “marcas”, veo una decadencia generalizada, una falta de interés tanto por aquellos que nos cuentan historias (ya bien sea a través del cine, las artes plásticas, la literatura…) como por aquellos que escuchan esas historias.
Siempre hay alguien que tiene algo que contar y, lo más importante, sabe como contarlo, pero ¿Hay alguien para escucharlo?. ¡Por supuesto! Cada martes el Ambigú ( http://www.retinas.org/index/ ) reúne al menos a unas 200 personas en sus pases de películas que carecen o han carecido de distribución en España. Largas colas aguardan a los cinéfilos que alegremente gastan su dinero en ver algo diferente a lo que nos hacen consumir habitualmente. Entonces resulta que sí hay un público para esas “otras narraciones”, ¿cierto?.
La cosa me llega a deprimir de verdad cuando veo que “Avatar” lleva el camino de encumbrarse como la película más taquillera de la historia. No sólo contento con la recaudación multimillonaria de la cinta, James Cameron, amenaza ahora con prolongar las aventuras de Pandora y sus hippies habitantes con una trilogía, que suponemos será igual de burda y maniquea que la primera de la saga. No sólo contentos con premiar en los Globos de Oro a Cameron como mejor director y mejor película (en detrimento de su ex mujer, Kathryn Bigelow y la que parece ser la sorpresa agradable de este año con su “The hurt locker”), el Globo de Oro a la mejor comedia se lo ha llevado “Resacón en las Vegas”. Sí, ya sé que tanto los Globos, los Oscar, los Goya, etc, son más una cuestión de marketing que de talento, pero,¿no es acaso sintomático que estas dos películas se lleven los Globos de Oro a mejor película y mejor película de comedia o musical respectivamente?,¿Por qué cada vez que he ido al cine últimamente salgo con la sensación de que me están tomando el pelo?, ¿dónde están las buenas historias y los buenos narradores de historias?, ¿por qué no llegan al circuito? Ya que creo que la crisis se desata más bien en los circuitos de distribución y en los despachos de aquellos que gestionan las cotas de beneficio que puede alcanzar un film.

Mi preocupación es más bien a largo plazo, ya que, si sólo nos llegan películas nefastas, con mensajes banales y simplistas, ¿qué clase de base cinematográfica tendrán los cineastas y sobre todo, los espectadores venideros?. Cada vez el espectador se hace menos exigente con aquello que ve en la pantalla, se deleita con las cabriolas técnicas y “el parece que es de verdad”, pero, ¿desde cuándo el cine es sólo técnica?, ¿desde cuándo es sólo entretenimiento?.De nuevo más simulacros, de nuevo se prefiere el ramo de rosas de plástico “qué parece de verdad”, al verdadero ramo, oloroso, efímero pero con “aura”.

El cine cómo la literatura, nos sirven, no sólo para suspender la credibilidad y nuestras vivencias personales cotidianas por momentos, sino también nos ayudan a ubicarnos en el mundo, nos forman y nos acompañan. Si, en esta supuesta época decadente, nos acompañan modelos como “Resacón en las Vegas”, “Avatar” nos empobrecemos un poco más, nos amansamos un poco más…

Camus decía que el “hombre rebelde es aquel que dice que NO”. Pues, digo que no a las nuevas y vacías narraciones, a los adalides de la técnica que auguran el final del cine “tal y como lo conocemos” y digo que no a la falta de espíritu crítico por parte del espectador, animalillo domesticado que ya no sabe mirar, sólo deglutir.

TROUBLE EVERY DAY Claire Denis (2001)

2010-01-14T11:55:00.001+01:00

TROUBLE EVERY DAY Claire Denis (2001)

“Quién bien te quiere te hará llorar” reza el refranero popular, y no hay mayor verdad. Así parece decirnos Claire Denis en su largometraje “Trouble Every Day”, (que en una chispa de ingeniosidad por mi parte traducí como “La lía cada día ).En esta cinta del 2001 Denis explora los oscuros e intrincados recovecos de la pasión y del amor que empujan a los protagonistas a situaciones límites (violencia brutal, canibalismo…) en una metáfora extrema del amor y de la soledad del individuo.

No es exactamente el amor lo que lleva a Corè (fantástica Beátrice Dalle) a devorar hombres a diestro y siniestro que, llevados por su voluptuosidad, acaban entre sus brazos y entre sus dientes como si de una mantis religiosa se tratara, si no una extraña enfermedad con la que su marido Léo (Alex Descass) estuvo experimentando en el pasado. Así mismo, Shane (Vincent Gallo), científico americano en viaje de luna de miel con su apocada esposa June (Tricia Vessey) y ex amante de Corè, es el responsable de haber inoculado a ésta la enfermedad tras robarle el experimento a Leo. Ahora él también se ve aquejado por esta extraña y sangrienta enfermedad y aprovecha el viaje a París para buscar a Léo y Coré, sin un proposito muy claro. Mientras tanto tratará de reprimir sus instintos ante su mujer.

Corè vivé en una orgía de sangre pero bajo los cuidados y la protección de su marido Leo, que se encarga de recogerla cada vez que se escapa de casa en busca de sangre. Corè y Lèo se aman, pero Corè desea la muerte y sobre todo desea no hacer daño a su marido. Así mismo, Shane, en pleno proceso inicial de la enfermedad, siente impulsos de sangre, pero trata de reprimirse con tal de no dañar a June. Su represión es tal que se siente incapaz de tener sexo “normal” con su mujer, quizás por miedo a que en un arrebato pasional, un bocado certero acabe con la vida de June. (Permitidme la licencia ¿A caso no os recuerda esto a “Twilight”?¿Serà que la Meyers vio “Trouble every day” antes de escribir su famosa trilogía?. La represión del amante para no dañar al amado es, a la postre, una narración arquetípica como bien puede ser “La dama de las Camelias”. Meyers por supuesto ha descubierto la sopa de ajo, pero, cualquier tipo de comparación de las películas de la saga Twilight con “Trouble Every Day” es un ejercicio de malabarismo imposible.

Infectados hambrientos, pero no es una de zombies, impulso sexuales y sedientos de sangre pero no es una de vampiros, caníbales sexys pero no es gore. Denis marca un gol al género y sale victoriosa en este film de planos certeros y pausados, diálogos escasos donde priman más las sensaciones (las respiraciones, jadeos, lloriqueos, la sangre, el semen…) y una aséptica visión de los personajes que no nos deja tomar partido por ninguno de ellos. La cámara sigue a los personajes en su deambular, sigue sobre todo a las víctimas en planos cercanos, tanto que podemos nosotros mismos oler lo que ellos huelen, sentir el frufrú de su ropa en el metro, el flotar de los pelillos de la nuca, su sudor, su aliento…. Un puñado de sensaciones que explotan en un par de escenas desgarradoras, rozando el gore sin llegar a ser extremadamente explícitas. Si puede haber sutilidad en el gore ésta es la película. Nunca la expresión “comer el coño” fue tan literal…

El amor es un vampiro, el amor es un monstruo, un caníbal. Como decía un poemita de Isabel Escudero, “Tu no quieres conocerme, quieres desentrañarme”, y nada más lejos de la realidad. Pero, ¿es el amor entonces lo que nos lleva a reprimir aquello que verdaderamente somos?. Kadarè afirma que curiosamente, el sentimiento más hermoso del mundo, el amor, es aquel que menos soporta la verdad. ¿Nos reprimimos para no hacer daño al otro, o para no ser dañados?, ¿hay amor sin represión?, ¿es la pareja el nido protector o una construcción antinatural? .Homo homini lupus, desde luego…

Ficha técnica
Director: Claire Denis; Guión: Claire Denis / Jean-Pol Fargeau; Fotografía: Agnès Godard; Música: Tindersticks; Montaje: Nelly Quettier; Casting: James Calleri / Nicolas Lublin / Richard Rousseau; Vestuario: Judy Shrewsbury / Caroline Tavernier; Maquillaje: Magali Ceyrat / Dalle
Michel Demonteix / Danièle Vuarin; Efectos visuales: David François / Christian Guillon.
Cast: Vincent Gallo (Shane), Tricia Vessey (June), Béatrice Dalle (Coré), Alex Descas (Léo), Florence Loiret-Caille (Christelle), Nicolas Duvauchelle (Erwan), Raphaël Neal (Ludo), José Garcia (Choart)
Francia / Alemania / Japón, una producción Canal + / Centre National de la Cinématographie (CNC) / Dacia Films / Kinetique Inc. / Messaouda Films / Rézo Films / Rézo Productions / Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF) / Arte France Cinéma / Arte; Productores: Georges Benayoun / Françoise Guglielmi (productor asociado) / Philippe Liégeois / Kazuko Mio (co-productor) / Jean-Michel Rey / Seiichi Tsukada (co-productor)
101 minutos; Color; Idioma original: Inglés;
Estrenada en Francia el 11 de julio de 2001, previo paso por el Festival de Cannes en mayo del mismo año. Vista en España el 10 de octubre de 2001 en el Festival de Sitges.

Despacito y buena letra...

2010-01-14T11:40:00.000+01:00

Uno siempre empieza un blog con la básica intención de comunicar, de expresar, de crear y de compartir esa creación, hacer que crezca y sea rica. Quizás son metas demasiado pretenciosas para un blog. Este no tendrá nada que otros blogs no tengan, será uno más, pequeño, humilde y honesto. Mirará (sobre todo) y será mirado.
Empezamos.